Leilah Babirye, Hugh Hayden, Dozie Kanu, Tau Lewis e Kiyan Williams Atlântico Negro

Exibido nas margens deste antigo porto de embarque, BlackAtlantic é uma exposição inspirada na diáspora transatlântica que conecta a África com as Américas e a Europa. Ao longo dos séculos, essas redes transatlânticas deram origem a culturas e identidades híbridas complexas, como as dos cinco artistas apresentados em BlackAtlanticCada obra encomendada sugere uma abordagem criativa singular para a construção de novas identidades e futuros através de gestos pessoais de trabalho manual, frequentemente em diálogo com os processos de fabricação em larga escala. Os artistas exploraram tanto histórias globais quanto experiências pessoais para criar essas obras fascinantes, tão inventivas em forma e materiais quanto poderosas em seus temas.

BlackAtlantic é cocuradoria do artista Hugh Hayden e Public Art Fund Curador Adjunto Daniel S. Palmer.

Agali Awamu (União)bordados escolares americanos dos séculos XVIII, XIX e XX, bandeiras regimentais da Guerra Civil e bandeiras e estandartes de campanhas políticas do século XIX. Virginia é membro da Art Conservators Alliance e Fellow do American Institute for Conservation of Historic and Artistic Works.
Leilah Babirye (nascida em 1985, Kampala, Uganda; vive e trabalha no Brooklyn, Nova Iorque) apresenta dois novos grupos de esculturas monumentais em madeira de pinho branco. Ela esculpiu essas formas figurativas à mão e com motosserra, utilizando sua formação em técnicas tradicionais africanas. Babirye as embelezou queimando, brunindo e adornando-as com metal soldado e materiais descartados encontrados, transformando o lixo em algo espetacular e revelando seu valor intrínseco. Essas esculturas, que ela chama de “rainhas trans”, têm o propósito de “se erguerem orgulhosamente como faróis de liberdade que acolhem uma comunidade LGBTQ+ internacional”.

Corrente do golfobordados escolares americanos dos séculos XVIII, XIX e XX, bandeiras regimentais da Guerra Civil e bandeiras e estandartes de campanhas políticas do século XIX. Virginia é membro da Art Conservators Alliance e Fellow do American Institute for Conservation of Historic and Artistic Works.
Hugh Hayden (n. 1983, Dallas, TX; vive e trabalha na cidade de Nova York, NY) concebeu esta exposição e também contribuiu com esta obra de arte surreal. Hayden combinou o exterior do casco de um barco construído em clinker com um interior esquelético semelhante ao de uma baleia para criar esta embarcação vazia que foi trazida à costa. A forma e o título "Gulf Stream" (Corrente do Golfo) fazem referência e "remixam" simultaneamente uma pintura de 1899 de Winslow Homer, que retrata uma figura negra solitária em circunstâncias extremas em um barco naufragado no mar, e a reinterpretação de Kerry James Marshall, de 2003, que transformou a cena em uma de lazer. Hayden vê seu Corrente do golfo A escultura é vista como "tanto um barco quanto um corpo, cujos passageiros desconhecidos podem ter chegado em segurança ou terem sido engolidos pelo mar".

Nos cotovelosbordados escolares americanos dos séculos XVIII, XIX e XX, bandeiras regimentais da Guerra Civil e bandeiras e estandartes de campanhas políticas do século XIX. Virginia é membro da Art Conservators Alliance e Fellow do American Institute for Conservation of Historic and Artistic Works.
Dozie Kanu (n. 1993, Houston, TX; vive e trabalha em Santarém, Portugal) criou um conjunto de objetos surreais que destaca as tensões entre os aspectos públicos e privados do eu. Um recipiente com um líquido preto que pulsa no ritmo de um batimento cardíaco humano e uma chaise longue (tipicamente associada à psicanálise) moldada em concreto evocam a autorreflexão, bem como as profundezas obscuras do inconsciente individual e coletivo. As rodas de arame "Texan Wire Wheels" do sofá (também chamadas de "cotovelos" ou "swangas") fazem referência à vibrante cultura automobilística "SLAB" da cidade natal do artista, Houston. Ele descreve a customização de carros dentro dessa tradição como uma "forma livre e lúdica de moldar a própria propriedade material — gestos que considero profundamente complexos e multifacetados, dada a relação que os afro-americanos continuam a trilhar entre propriedade e autonomia".

Apertamos nossas barrigas e chutamos os pés, nos tornamos algo tão estranho que não tínhamos mais predadores naturais., 2022
Assistimos à evolução da humanidade enquanto nos absorvíamos no fundo do mar; a lua nos observava e nos dizia que a Terra tinha um coração pesado., 2022
Nos perguntávamos se os anjos nos haviam abandonado ou se simplesmente mudavam de forma sem nos avisar. Todas as noites, criaturas desapareciam; todas as manhãs, estranhos chegavam., 2022
Tau Lewis (nascida em 1993, Toronto, Canadá; vive e trabalha no Brooklyn, Nova Iorque) inspirou-se para criar estas três esculturas de ferro fundido com quase dois metros de diâmetro em seus “anos de fascínio por crinoides”, uma família de criaturas marinhas que inclui estrelas-do-mar, ouriços-do-mar, pepinos-do-mar e seus ancestrais pré-históricos. Cada um desses animais possui um caule em forma de disco sobreposto com desenhos únicos. Sua simetria de cinco pontas se reflete nas esculturas de Lewis, com padrões repetidos que incorporam símbolos Adinkra da África Ocidental. As peças da artista “refletem sobre a jornada desses animais ancestrais, a dispersão global de seus corpos fossilizados e sua coexistência com pessoas negras acima e abaixo do Atlântico e por toda a diáspora”.

Ruínas do Impériobordados escolares americanos dos séculos XVIII, XIX e XX, bandeiras regimentais da Guerra Civil e bandeiras e estandartes de campanhas políticas do século XIX. Virginia é membro da Art Conservators Alliance e Fellow do American Institute for Conservation of Historic and Artistic Works.
Kiyan Williams (n. 1991, Newark, NJ; vive e trabalha na cidade de Nova York, NY) imagina as “ruínas do império” ao reimaginar um símbolo icônico dos valores americanos, a Estátua da Liberdade. O monumento de bronze projetado por Thomas Crawford está no topo da cúpula do Capitólio dos EUA em Washington, DC, desde 1863 (uma estrutura construída com trabalho escravo). A superfície de terra da adaptação do artista faz com que a escultura pareça estar em estado de decomposição e deterioração, “incorporando como os ideais americanos de liberdade estão ligados à subjugação, inspirando-se em tropos de ficção científica de um monumento destruído como a Estátua da Liberdade como símbolo de um mundo arruinado pela devastação ambiental”.

Instalada nas orillas deste antigo porto marítimo, Atlântico Negro (Atlántico Negro) é uma exposição inspirada na diáspora que atravessa o oceano e conecta a África com a América e a Europa. Durante séculos, estas redes transatlânticas deram lugar a culturas e identidades híbridas e complexas, como os dos cinco artistas incluídos em Atlântico Negro (Atlántico Negro). Cada encargo planta uma abordagem criativa singular para a construção de novas identidades e futuras através de gestos pessoais do trabalho artesanal, um menu em diálogo com os processos de fabricação em grande escala. Os artistas recorreram tanto a histórias globais como a experiências pessoais para criar essas obras cautivadoras, que são tão engenhosas no que diz respeito à forma e os materiais são tão poderosos em seus temas.

Agali Awamu (União) (Agali Awamu [União])bordados escolares americanos dos séculos XVIII, XIX e XX, bandeiras regimentais da Guerra Civil e bandeiras e estandartes de campanhas políticas do século XIX. Virginia é membro da Art Conservators Alliance e Fellow do American Institute for Conservation of Historic and Artistic Works.
Leilah Babirye (n. 1985, Kampala, Uganda; vive y trabaja em Brooklyn, NY) apresenta dois novos grupos de esculturas monumentais de madeira de pino branco. O artista fez essas peças figurativas com uma motosserra e mão, recorrendo à sua formação em técnicas tradicionais africanas. Babirye embelezou essas figuras por meio de processos de queimado, brunido e decoração com metais soldados e materiais desecho encontrados, de modo que o resíduo se transforma em algo espetacular e, como resultado, deixa de ver seu valor intrínseco. Estas esculturas, como as que chamam de “reinas trans”, têm por objeto “alzarse orgullosas como faros de libertad que acogen a una comunidad LGBTQ+ internacional”.

Corrente do Golfo (La corriente del Golfo)bordados escolares americanos dos séculos XVIII, XIX e XX, bandeiras regimentais da Guerra Civil e bandeiras e estandartes de campanhas políticas do século XIX. Virginia é membro da Art Conservators Alliance e Fellow do American Institute for Conservation of Historic and Artistic Works.
Hugh Hayden (n. 1983, Dallas, TX; vive e trabalha em Nueva York, NY) idealizou a exposição Atlântico Negro (Atlántico Negro) e também contribuiu para ela com esta obra de arte surrealista. Hayden combinou o exterior de um barco de casco trincado com um interior em forma de esqueleto de balena para criar esta embarcação vazia arrastrada à orilla. A forma e o título, Corrente do Golfo (La corriente del Golfo), desta obra é uma referência e uma “reversão” de uma pintura de Winslow Homer de 1899, que mostra um personagem negro solo e em uma situação extrema dentro de um bote naufragado no meio do mar, e da reinterpretação de Kerry James Marshall em 2003, na qual esta cena se converte em um de ocio. Hayden concibe sua escultura como “un barco y un cuerpo, cuyos desconocidos pasajeros pueden haber logrado salvarse, o bien haber sido tragados pelo mar”.

Sobre os cotovelosbordados escolares americanos dos séculos XVIII, XIX e XX, bandeiras regimentais da Guerra Civil e bandeiras e estandartes de campanhas políticas do século XIX. Virginia é membro da Art Conservators Alliance e Fellow do American Institute for Conservation of Historic and Artistic Works.
Dozie Kanu (n. 1993, Houston, TX; vive e trabalha em Santarém, Portugal) criou um conjunto de objetos surrealistas que aliviam as tensões entre os aspectos públicos e privados do ser. Um recipiente com líquido negro que acompanha o ritmo de um coração humano e de um divã espreguiçadeira (geralmente associado à psicoanálisis) fundidos em hormônio aluden à introspecção e às turvas profundezas do inconsciente individual e coletivo. As típicas rodas Texan Wire Wheels (também chamadas de “codos” ou “swangas”) sobre o sofá fazem referência à vibrante cultura automovilística “SLAB” de Houston, cidade natal do artista. Kanu descreve a tradição de personalizar os carros como “uma forma livre e lúdica de projetar nossas próprias pertenências materiais, gestos que me parecem sumamente complexos e estratificados dada a relação que os negros norte-americanos seguem navegando entre a propriedade e a agência”.

Apertamos nossas barrigas e chutamos, nos tornamos algo tão estranho que não tínhamos mais predadores naturais (Unimos nuestros vientres y agitamos nuestros pies, nos convertimos em algo tão estranho que ya não tínhamos depredadores naturais), 2022
Vimos a humanidade evoluir à medida que nos absorvíamos no fundo do mar, a lua olhou para nós e nos disse que a Terra estava com o coração pesado (Vimos evolucionar a la humanidad enquanto nos absorvíamos o fundo do mar, la luna nos miró fijo y nos contó que la Tierra tinha um coração acongojado), 2022
Ficamos imaginando se os anjos nos teriam abandonado ou se simplesmente mudaram de forma sem nos avisar. Todas as noites as criaturas desapareciam, todas as manhãs estranhos chegavam (Nos preguntamos si los anjos nos habían abandonados, ou si simplemente habían cambiado de forma sin avisarnos. Cada noche desaparecían criaturas, cada mañana legaban extraños), 2022

Tau Lewis (n. 1993, Toronto, Canadá; vive e trabalha em Brooklyn, NY) tomó inspiração para criar estas três esculturas de ferro fundidas de metros de diâmetro em sua “eterna fascinação pelos crinoideos”, uma família de criaturas marinas que inclui as estrelas, os erizos e os pepinos de mar, assim como seus antepasados ​​pré-históricos. O corpo desses animais é formado por um tallo em forma de discos apilados com desenhos únicos. A simetria em suas cinco pontas foi refletida nas esculturas de Lewis, que exibem padrões repetidos que incorporam os símbolos adinkra do oeste da África. Com essas peças de fundação, o artista “reflexiona sobre o deslocamento desses animais ancestrais, a distribuição global de seus corpos fosilizados e sua coexistência com corpos negros, por encima e por baixo do Atlântico e por toda a diáspora”.

Ruínas do Império (Ruinas del imperio)bordados escolares americanos dos séculos XVIII, XIX e XX, bandeiras regimentais da Guerra Civil e bandeiras e estandartes de campanhas políticas do século XIX. Virginia é membro da Art Conservators Alliance e Fellow do American Institute for Conservation of Historic and Artistic Works.
Kiyan Williams (n. 1991, Newark, NJ; vive e trabalha em Nueva York, NY) concibe estas “ruinas del imperio” através da reinterpretação de um símbolo emblemático dos valores estadounidenses: a Estatua de la Libertad del Capitolio. O monumento de bronze projetado por Thomas Crawford foi construído desde 1863 em Washington D. C., sobre a cúpula do Capitólio dos Estados Unidos (uma estrutura construída com mão de obra esclavizada). A superfície arenosa e seca da versão de Williams faz com que a escultura parezca esteja em estado de decomposição e deterioração, “o que reflete o modo como os ideais estaduaisunidenses de liberdade estão ligados a algum momento, e toma como inspiração um tropo muito utilizado na ficção científica: o de um monumento como a Estátua da Liberdade de Nova York destruída como símbolo de um mundo arruinado pela degradação ambiental”.

Leilah Babirye (nascida em 1985 em Kampala, Uganda) é uma artista e ativista que vive e trabalha no Brooklyn, Nova York. Estudou arte na Universidade de Makerere em Kampala, Uganda (2007–2010), e participou da Residência Artística de Fire Island em 2015. O artista nasceu em Nova York desde seu nascimento em Uganda em 2015 e foi publicamente exposto como homossexual em um jornal local. Na primavera de 2018, Babirye recebeu o asilo com o apoio do Comitê de Serviços Africanos e do Projeto Antiviolência de Nova York. Em sua prática multidisciplinar, Babirye toma elementos como madeira, cerâmica, materiais encontrados e pintura, e os transforma em objetos figurativos que abordam questões em torno da identidade, da sexualidade e dos direitos humanos. Babirye explora a diversidade das identidades LGBTQI e confirma a cada sujeito uma dignidade majestosa e uma beleza expressiva e tangível. Entre suas exposições recentes se encontram Ebika Bya ba Kuchu mu Buganda (Clanes Kuchu de Buganda) em Gordon Robichaux, Nueva York e Los Angeles, e na Stephen Friedman Gallery, Londres;  Voo: uma história coletiva (Vuelo: una historia colectiva) no Hessel Museum of Art, Bard College, Annandale-on-Hudson, Nueva York (bajo la curadoria de Serubiri Moses); Parede de pedra 50 no Museu de Arte Contemporânea (CAMH), Houston, Texas; e no Parque de Esculturas de Sócrates, onde foram apresentadas esculturas monumentais por encargo.

Hugh Hayden (n. 1983, Dallas, Texas) considera que a antropomorfização do mundo natural é uma lente visceral para explorar a condição humana. Com a madeira como meio principal, Hayden recria objetos cotidianos por meio de um processo de seleção, talado e justaposição com o fim de questionar a percepção que temos de nós mesmos, das demás pessoas e do entorno. Ao trabalhar com diversos objetos carregados com histórias de capas múltiplas, como troncos desenterrados, madeiras nativas de pequenas comunas, árvores de natal ou esculturas africanas de lembrança, o artista normalmente combina espécies disímiles e também cria novas formas compiladas que também refletem seus complexos culturais de origem. Hayden vive e trabalha em Nova York; possui mestrado em Belas Artes da Universidade de Columbia e licenciatura em Arquitetura da Universidade Cornell. Entre suas últimas exposições individuais, você encontrará: Huey, Galeria Lisson, Nova York, 2021; Boogey Men (Os homens do saco), Instituto de Arte Contemporânea, Miami, 2021; y Brier Patch (Matorral de espinas), por encargo da Madison Square Park Conservancy, Nova York, 2022.

Dozie Kanu (n. 1993, Houston, Texas) está radicado em Santarém, Portugal. Sua investigação se concentra em um conceito de escultura que aborda a produção de objetos que envolvem uma tensão entre o uso que são feitos e sua história, sua memória e sua materialidade. A linguagem visual de Kanu faz uma crítica às cánones da história da arte ocidental e, com sutileza e elegância, revela-se nos objetos narrativos em torno do colonialismo e da identidade, fazendo-o evoluir em sua condição diaspórica. Entre as exposições selecionadas se encontram: Centro da cidade, organizado pelo Salon 94 e Maccarone Gallery, Lever House, Nueva York, 2017; FUNÇÃO (FUNCIÓN), no The Studio Museum no Harlem, Nueva York, 2019; Transformer: A Rebirth of Wonder (Transformador: el renacer del asombro), en 180 The Strand, Londres, 2019; Recuo (Retroceso) (com Cudelice Brazelton IV), em International Waters, Brooklyn, Nueva York, 2020; Owe Deed, One Deep (Debe fazer um ato, um profundo), em Projeto Native Informant, Londres, 2020; Enzo Mari, bajo curadoria de Hans Ulrich Obrist, na Triennale Milano, 2020; Crack Up – Crack Down (Risa e revolução), no Centro de Arte Contemporânea do Castelo Ujazdowski, Varsóvia, 2020; ordem de valor [gentrify.pt] (orden de valor [gentrificar.pt]), na Galeria Madragoa, Lisboa, Portugal, 2021; apoiar e ignorar (apontar e ignorar), em Artes Manuais, Los Angeles, Califórnia, 2021.

Tau Lewis (n. 1993, Toronto, Canadá) vive e trabalha em Nueva York, NY. Foi exposto em museus e instituições como a National Gallery of Canada, Ottawa, ON; o MoMA PS1 de Nueva York, NY; o Novo Museu de Nueva York, NY; el Hepworth Wakefield, Wakefield, Inglaterra; Las Galerias de Arte da Faculdade, Saskatoon, SK; el Centro de Arte Agnes Etherington, Kingston, ON; a Galeria de Arte de Mississauga, Mississauga, ON; e a Galeria de Arte da Universidade de York, Toronto, ON. A obra de Lewis foi incorporada às coleções permanentes do Metropolitan Museum of Art, Library Collection, Nueva York, NY; da Galeria Nacional do Canadá, Ottawa, ON; de Biblioteca e Arquivos do Canadá, Ottawa, ON; del Instituto de Arte Contemporânea, Miami, FL; Museu de Arte do Del Grinnell College, Grinnell, IA; del Hammer Museum, Los Angeles, CA; e Prospect 5, Nueva Orleans, LA. Próximo, apresentará uma exposição individual na Haus der Kunst, Munique, Alemanha.

Kiyan Williams (n. 1991, Newark, NJ) é dedicado às artes visuais e à escritura, além de desenvolver com fluidez como artista da arte performática, da escultura, do vídeo e do 2D. Ao arraigar uma prática centrada no processo, Williams se interessa pelos materiais e métodos cotidianos e pouco convencionais que evocam as forças históricas, políticas e ecológicas que danificam os assuntos individuais e coletivos. Williams obteve uma licenciatura em Belas Artes com honras na Universidade de Stanford e um mestrado em Artes Visuais na Universidade de Columbia. Sua obra foi exposta no SculptureCenter, no Jewish Museum, no Brooklyn Museum, no Socrates Sculpture Park, no Recess Art e no The Shed. Ele deu charlas e conferências artísticas no Hirshhorn Museum, no Studio Museum in Harlem, na Universidade de Princeton, na Universidade de Stanford, na Universidade Estatal de Portland, no Guggenheim e no Pratt Institute. A obra de Williams é encontrada em coleções privadas e públicas, como o Museu e Jardim de Esculturas Hirshhorn.