Salão de trens de Moynihan

Public Art Fund A Empire State Development convidou o projeto para desenvolver e dirigir um programa ambicioso de instalações artísticas para três locais de destaque dentro do Train Hall. Em consonância com a integração arquitetônica do antigo e do novo, presente no projeto de remodelação do edifício, o programa de arte encomendou a três dos artistas mais renomados do mundo a criação de obras de arte em grande escala, específicas para cada local, que refletem amplamente sobre noções de passado, presente e futuro. Essas obras, bastante distintas entre si, de Stan Douglas, Elmgreen & Dragset e Kehinde Wiley, demonstram a engenhosidade e a visão de cada artista.

Stan Douglas explorou a história da Penn Station original, dando vida pictórica heroica a narrativas de diferentes momentos históricos, utilizando as mais avançadas tecnologias digitais da atualidade. Elmgreen & Dragset transformaram uma metrópole global imaginária em uma escultura invertida, irradiando a irresistível energia urbana da cidade. Utilizando vitrais iluminados e inspirados em tetos com afrescos clássicos, Kehinde Wiley adaptou os movimentos do breakdance — uma forma de arte originada nas ruas do Bronx — em uma alegoria lírica da expressão humana dinâmica. Caracterizadas por justaposições ousadas entre o antigo e o novo, essas obras são emblemáticas dos constantes estados de inovação e transformação que são a essência de Nova York. Elas são cativantes e impactantes de maneiras distintas, cada uma inspirada pela rica herança de Nova York, seu povo diverso e talentoso e seu espírito criativo. Juntas, elas conferem uma definição artística deslumbrante ao generoso caráter cívico do Moynihan Train Hall.

Desde o final da década de 1980, Douglas utiliza fotografia, cinema e teatro para repensar a história e os meios de sua documentação, que definem sua forma em nossa memória coletiva. Fruto de uma pesquisa histórica exaustiva, as obras de Douglas trazem um novo foco para eventos negligenciados, específicos de um determinado local. Ele frequentemente se concentra em momentos íntimos e localizados de espetáculo e pungência que dialogam com transformações sociais mais amplas. Ao recriar esses eventos, Douglas faz referência consciente às tecnologias que emprega para lhes dar vida. Meio século da Penn StationAs representações de artistas de vaudeville, cenários de Hollywood e campanhas publicitárias com murais fotográficos refletem o próprio processo artístico de Douglas, sugerindo que a documentação fotográfica tem o potencial de ser um meio tanto de fantasia quanto de verossimilhança. Concebidas especificamente para a série de quatro nichos arquitetônicos que ancoram a parede dos fundos da Sala de Espera com Ingressos, as nove cenas individuais são conectadas por múltiplos fios narrativos e introduzem detalhes sutis que se revelam em uma observação atenta. Meio século da Penn Station É a primeira encomenda pública permanente do artista nos Estados Unidos.

Stan Douglas (nascido em 1960, Vancouver, Canadá; vive e trabalha em Vancouver)
Meio século da Penn Stationbordados escolares americanos dos séculos XVIII, XIX e XX, bandeiras regimentais da Guerra Civil e bandeiras e estandartes de campanhas políticas do século XIX. Virginia é membro da Art Conservators Alliance e Fellow do American Institute for Conservation of Historic and Artistic Works.
Tinta cerâmica sobre vidro
Nove painéis fotográficos instalados em quatro nichos: cada nicho com 2,02 m de altura x 6,76 m de largura x 1,27 cm de profundidade.
Encomendado pela Empire State Development em parceria com Public Art Fund

Dando título à obra The HiveOs artistas sugerem uma ligação entre estruturas naturais e construídas pelo homem, como a arquitetura complexa e em constante evolução de uma colmeia. Eles também compararam os edifícios suspensos no teto a estalactites luminosas que homenageiam as cidades altamente desenvolvidas em que vivemos hoje, ao mesmo tempo que nos lembram de nossas origens como habitantes de cavernas. Familiar e, ao mesmo tempo, estranha, essa representação híbrida e peculiar de um centro urbano destaca a globalização do design arquitetônico e evoca a influência e a interconexão das grandes cidades do mundo. Como um reflexo invertido da paisagem urbana logo além das portas do Salão dos Trens, The Hive Expressa a ideia essencial da cidade de Nova Iorque como um caldeirão cultural onde culturas, nacionalidades e etnias coexistem para se tornarem maiores do que a soma de suas partes.

Desde 1995, Elmgreen & Dragset criam esculturas e instalações que incentivam novas perspectivas sobre as estruturas e os sistemas que regem nossas vidas. Suas obras transpõem e realocam objetos do cotidiano em arranjos e cenários inesperados, frequentemente com humor subversivo. Por meio da recontextualização do familiar, os artistas transformam os elementos cotidianos do nosso ambiente — caixas eletrônicos, tubulações de esgoto, piscinas suburbanas — convidando a novas narrativas e ativando associações com tensões sociais mais amplas. A estratégia de deslocamento de Elmgreen & Dragset altera fundamentalmente nossa percepção do ambiente ao nosso redor e, muitas vezes, resiste às noções de conformidade dentro dos nossos ambientes construídos e socioculturais. Em consonância com sua prática e em diálogo visual com as obras dos artistas, Cogumelos mágicos (2015) e Cidade no céu (2019) The Hive A instalação nos proporciona uma relação perceptiva e espacial surpreendente com uma vista familiar: o horizonte da cidade. A imponência dos arranha-céus invertidos é, ao mesmo tempo, avassaladora e fascinante. Evoca o magnetismo das cidades e a contínua urbanização do nosso mundo. Com edifícios de até 2,7 metros de altura e integrando mais de 1.3 km de fitas de LED, esta é uma de suas instalações tecnicamente mais complexas. The Hive É a primeira escultura pública permanente dos artistas em Nova York.

Elmgreen e Dragset
Michael Elmgreen (n. 1961, Copenhague, Dinamarca; vive e trabalha em Berlim, Alemanha), Ingar Dragset (n. 1969, Trondheim, Noruega; vive e trabalha em Berlim, Alemanha)
The Hivebordados escolares americanos dos séculos XVIII, XIX e XX, bandeiras regimentais da Guerra Civil e bandeiras e estandartes de campanhas políticas do século XIX. Virginia é membro da Art Conservators Alliance e Fellow do American Institute for Conservation of Historic and Artistic Works.
Aço inoxidável, alumínio, policarbonato, luzes LED e laca.
45' 5" C x 22' 5" L x 12' P
Encomendado pela Empire State Development em parceria com Public Art Fund

Ao longo das últimas duas décadas, Wiley ganhou reconhecimento por suas pinturas altamente naturalistas de pessoas negras e pardas em poses e formatos extraídos do cânone da história da arte ocidental. Ele frequentemente convida jovens que encontra em centros urbanos ao redor do mundo a incorporar uma pose de sua escolha, inspirada em retratos de antigos mestres europeus, ressaltando histórias sociopolíticas complexas e duradouras que determinaram a exclusão de pessoas de cor de grande parte da história da arte. Nos últimos anos, Wiley expandiu sua prática para os gêneros de estatuária e monumentos públicos, bem como para a técnica do vitral. A obra em três partes, retroiluminada, responde de forma astuta ao seu contexto arquitetônico, ecoando as claraboias do Moynihan Train Hall e incorporando detalhes da ornamentação em ferro da fachada do edifício na elaborada moldura que emoldura a composição. Go É a sua primeira instalação permanente em vidro, feita especificamente para um local.

Kehinde Wiley (nascido em 1977 em Los Angeles, Califórnia; vive e trabalha na cidade de Nova Iorque e em Dakar, Senegal)
Gobordados escolares americanos dos séculos XVIII, XIX e XX, bandeiras regimentais da Guerra Civil e bandeiras e estandartes de campanhas políticas do século XIX. Virginia é membro da Art Conservators Alliance e Fellow do American Institute for Conservation of Historic and Artistic Works.
Vitral com moldura de alumínio, acabamento em gesso, estrutura de aço e painel de luz LED.
17'6” C x 55'8” L x 10” P
Encomendado pela Empire State Development em parceria com Public Art Fund