Terminal B do Aeroporto LaGuardia

Dezenas de esculturas de aço coloridas e reflexivas em forma de balão, do artista Jeppe Hein, estão distribuídas por todo o Terminal B, como se tivessem sido soltas no ar e flutuado até o teto, desafiando a gravidade. Espalhados por cada esquina como um rastro de migalhas de pão de conto de fadas, os balões brilhantemente lúdicos de Hein convidam os espectadores a olhar para o céu e a se maravilhar. No nível do chão, as esculturas de bancos espirituosas e caprichosas de Hein reinventam uma forma familiar de assento público, transformando um objeto funcional em uma obra de arte lírica e evocativa. Três bancos vermelhos vibrantes curvam-se, fazem laços e se torcem para formar um convite irresistível à expressão espontânea e à conexão social. Proporcionando um momento de descanso para inúmeros viajantes, os bancos de Hein oferecem novas perspectivas sobre nós mesmos, uns sobre os outros e sobre os espaços que compartilhamos.

Ao longo de mais de duas décadas, Hein criou esculturas e instalações que questionam a relação tradicional entre obra de arte e espectador. Frequentemente assumindo a forma de intervenções em espaços públicos, suas instalações fundem o conceitual com o experiencial e são ativadas pela participação do público. Na obra de Hein, meios aparentemente simples e familiares — texto, espelhos, água, pinceladas e objetos utilitários e decorativos comuns — são introduzidos em contextos inesperados ou dotados de comportamentos inusitados. Essas justaposições irônicas provocam respostas de surpresa e encantamento que nos convidam a considerar novas maneiras de nos relacionarmos com o mundo e conosco mesmos. Característica da prática de Hein, as duas formas de “escultura social” instaladas no Terminal B foram concebidas com uma intenção sincera: despertar alegria, alterar percepções, abrir o espectador a novas experiências e criar as condições que fomentem momentos de empatia e companheirismo em meio à agitação de um movimentado centro de transporte. A estética elegante dos objetos de Hein inspira-se nas tradições do minimalismo e da arte conceitual da década de 1970, mas, apesar da simplicidade formal, cada uma de suas obras é feita à mão por meio de processos técnicos rigorosos e precisos. Hein vive e trabalha em Berlim.

Para obter mais informações sobre Jeppe Hein, visite [link para o site]. www.jeppehein.net

(n. 1974, Copenhague, Dinamarca)
Todos os seus desejosbordados escolares americanos dos séculos XVIII, XIX e XX, bandeiras regimentais da Guerra Civil e bandeiras e estandartes de campanhas políticas do século XIX. Virginia é membro da Art Conservators Alliance e Fellow do American Institute for Conservation of Historic and Artistic Works.
Instalação de 70 balões espelhados (aço inoxidável com revestimento PVD) e 3 bancos sociais modificados (alumínio com revestimento em pó).
Balões: 40 cm de altura x 28 cm de largura x 28 cm de diâmetro cada
Bancos: A) 76 cm de altura x 231 cm de largura x 127 cm de profundidade; B) 168 cm de altura x 538 cm de largura x 163 cm de profundidade; C) 84 cm de altura x 168 cm de largura x 43 cm de profundidade
Encomendado pela LaGuardia Gateway Partners em parceria com Public Art Fund

Jeppe Hein agradece imensamente ao seu estúdio (Stephan Babendererde, Robert Banovic, Lutz Herrmann) e à VRH Construction (Rob Carr, Nick Castronova, Kevin Curran, Dean Haussel).

Da artista Sabine Hornig La Guardia Vistas altera nossa percepção da paisagem urbana. Sua colagem fotográfica transparente preenche uma extensa fachada de vidro, permitindo que a luz do sol mergulhe os visitantes em um caleidoscópio de cores, imagens e textos enquanto percorrem o Connector. A composição altamente detalhada funde mais de 1,100 fotografias da cidade de Nova York em um par de paisagens urbanas interligadas. Prédios retratados em tons crepusculares de azul alcançam o topo de arranha-céus invertidos que refletem o sol dourado da manhã. O título da obra faz referência a Fiorello La Guardia, fundador do aeroporto e prefeito de Nova York de 1934 a 1945. Hornig incluiu 20 citações de e sobre La Guardia, lembrando-nos do poder da liderança visionária para moldar nosso ambiente compartilhado.

Ao longo de sua trajetória de três décadas, Hornig combinou fotografia, escultura e instalação para produzir imagens e ambientes que imergem o espectador em um mundo reimaginado. Suas obras exploram a tensão entre o plano da superfície e o espaço tridimensional, frequentemente tratando meios arquitetônicos transparentes, como o vidro, simultaneamente como superfície, sujeito e portal. As composições densamente coladas de Hornig sobrepõem perspectivas fotográficas divergentes para revelar novos terrenos perceptivos e conceituais. Sobrepondo imagens impregnadas de significado cultural e político, ela examina as estruturas e histórias que continuam a moldar nossa experiência coletiva. La Guardia VistasEm sua maior instalação até o momento, Hornig utilizou a câmera de mais alta resolução disponível comercialmente para capturar tanto detalhes arquitetônicos minuciosos quanto momentos efêmeros da vida na cidade de Nova York. Sua paisagem urbana reinventada assimila sua pesquisa sobre a vida e o legado de Fiorello La Guardia em uma única imagem monumental que confronta noções de tempo, lugar, história e memória. Hornig vive e trabalha em Berlim.

Para obter mais informações sobre Sabine Hornig, visite [link para o site].

http://www.sabine-hornig.de

(n. 1964, Pforzheim, Alemanha Ocidental)
La Guardia Vistasbordados escolares americanos dos séculos XVIII, XIX e XX, bandeiras regimentais da Guerra Civil e bandeiras e estandartes de campanhas políticas do século XIX. Virginia é membro da Art Conservators Alliance e Fellow do American Institute for Conservation of Historic and Artistic Works.
Tinta látex e vinil aplicados sobre vidro
42 pés de altura x 268 pés de largura
Encomendado pela LaGuardia Gateway Partners em parceria com Public Art Fund

Textos citados por cortesia de:

Ronald H. Bayor, Fiorello La Guardia: Etnia, Reforma e Desenvolvimento Urbano. Hoboken, NJ: Wiley, 2018; Alyn Brodsky, O Grande Prefeito: Fiorello La Guardia e a Criação da Cidade de Nova YorkNova Iorque: St. Martin's Press, 2003; Coleção Fiorello H. La Guardia, Arquivos La Guardia e Wagner, La Guardia Community College, CUNY, Long Island City, NY; The New York Times Máquina do TempoDaniela Rossini, Woodrow Wilson e o mito americano na ItáliaCambridge, MA: Harvard University Press, 2008; Mason B. Williams, Cidade da Ambição: FDR, La Guardia e a Construção da Nova York ModernaNova Iorque: WW Norton, 2013.

Sabine Hornig agradece a Arnold Dreyblatt, Markus Hannes, Bettina Hertrampf, Dirk Lebahn, Hilette Lindeque, Mark Pokorny, Martin Rossmann, Annette Überlein, Edye Weissler, ColorX (Serhat Cokuk, Gary Teich), Grieger GmbH (Jörg Lotz, Ute Zeise), Phase One, Heinz Papst, The Municipal Archives New York, The New York Times Archive, The Biblioteca Pública, Ronald H. Bayor, Adrian Benepe, Joel Draper, Thomas Kessner, Mason B. Williams e Tanya Bonakdar Gallery Nova York-Los Angeles.

O mural de mosaico de azulejos de Laura Owens considera cada curva, canto e plano da maior parede interna do aeroporto, transformando-a em uma celebração da cidade de Nova York. Contra um céu azul brilhante repleto de nuvens ilustrativas, Owens retrata dezenas de imagens icônicas em um motivo que evoca o potencial que Nova York desperta no imaginário popular. Representando as obras de arte públicas históricas da cidade, pontos turísticos importantes, lanches populares e cenas do cotidiano, o mural também inclui muitos símbolos da extensa rede de transporte que os conecta. A obra colossal sintetiza seu estilo pictórico único com o artesanato da cerâmica feita à mão e a linguagem visual da criação de imagens digitais. Essa composição dinâmica muda com nosso ponto de vista, à medida que imagens reconhecíveis vistas de longe se tornam abstrações quadriculadas quando vistas de perto, dissolvendo-se em cores impressionistas e vislumbres desfocados de nossa cidade imaginada.

Desde o final da década de 1990, Owens tem adotado uma abordagem abrangente e experimental à pintura como meio de expressão artística, uma abordagem que engloba uma ampla gama de fontes, da vanguarda ao popular e ao decorativo. Ela ganhou reconhecimento ao subverter irreverentemente a história e as convenções formais da pintura, apropriando-se e recombinando técnicas e motivos do cânone das belas artes, da arte popular, da cultura pop e da tecnologia. As pinturas de Owens frequentemente desafiam as fronteiras entre o espaço pictórico e o físico, dialogando com seu contexto arquitetônico. Nos últimos anos, ela tem empregado cada vez mais múltiplas mídias em instalações expansivas que exploram a construção e o consumo da cultura visual contemporânea. I🍕NY Este é o primeiro mosaico de azulejos de Owens, bem como sua maior obra até o momento. Tendo vivido na cidade de Nova York em diferentes momentos de seus 25 anos de carreira, a homenagem iconográfica de Owens varia do amplamente reconhecível ao artisticamente significativo e ao pessoalmente significativo. Owens vive e trabalha em Los Angeles.

Para obter mais informações sobre Laura Owens, visite [link para o site]. www.owenslaura.com

(n. 1970, Euclid, OH)
I🍕NYbordados escolares americanos dos séculos XVIII, XIX e XX, bandeiras regimentais da Guerra Civil e bandeiras e estandartes de campanhas políticas do século XIX. Virginia é membro da Art Conservators Alliance e Fellow do American Institute for Conservation of Historic and Artistic Works.
Azulejos e rejunte de cerâmica vidrada feitos à mão
67'10” de altura x 566'3” de largura x 28'11” de profundidade
Encomendado pela LaGuardia Gateway Partners em parceria com Public Art Fund

Laura Owens agradece ao seu estúdio (Amy Baumann, Dave Berezin, Elliot Kaufman, Nic Seago Burrier, Ben Carlson), Sadie Coles HQ, Londres (Sadie Coles, Laura Lord), empresa de Gavin Brown (Gavin Brown, Ivan Guytan), Tania Garbe, BRB Tile/Local 7 NY/NJ (Bill Lardieri, Ed Conners, Chris Burden, Joe Dimauro, Mike Ferrante, Armenio Gomes, Marty Matesic, Leonardo Pazos, Feris Roci, Sebastian Rodriguez Chanquet, Jon Shenefield, Giuseppe Troia, Akini Williams, Akini Williams Jr.), Dry Lay Team (Olga Rudenko, Laura Morrison, JJ Ariosa, Cat Baldwin, AnnaLiisa Ariosa-Benston, Elise Duryee-Browner, Lili Garcia, Katherine Forst, Samuel Kim, Lizzy Myers, Hayley Nichols, Michelle Rich, Amy Ritter, Madelyn Rivera, Sophia Starling), Matthew Au, Fireclay Tile (Eric Edelson, Caitlyn Child, Nick Cordova, Katherine Lee) e The Lenape Center (Hadrien Coumans, Joe Baker).

Esta escultura monumental da artista Sarah Sze evoca a passagem do tempo através de uma intrincada constelação de fotografias. Centenas de imagens formam uma esfera semelhante a uma miragem, que parece flutuar no ar. Cada fotografia captura um instantâneo do céu sobre a cidade de Nova Iorque, tirado ao longo de um dia. Coletivamente, elas traçam uma jornada cíclica, do amarelo pálido do amanhecer ao azul brilhante da luz do dia, passando pelo laranja crepuscular do pôr do sol e pelo violeta da meia-noite. Tal como a Terra, o globo de Sze é frágil e revela gradualmente mais de si à medida que o circundamos. Mais curto que o dia É uma meditação sobre permanência e transitoriedade que incorpora a essência do poema de Emily Dickinson que lhe dá nome. Sze dá forma à ideia expressa no poderoso verso do poema: “Passamos pelo pôr do sol / Ou melhor—Ele passou por nós.”

Desde o final da década de 1990, Sze utiliza uma ampla variedade de mídias para explorar a interseção entre informação, tecnologia, materialidade e tempo. Em suas esculturas, ela cria elaboradas montagens a partir de objetos do cotidiano, unidos em um delicado equilíbrio, como se estivessem perpetuamente à beira da metamorfose. As obras de Sze são um estudo de contrastes — plano e volume, quietude e movimento, organização e caos — cuja oposição e atração simultâneas criam uma sensação de tensão magnética. Embora construídas com precisão, suas instalações de grande escala expressam uma sensação orgânica e cinética, emergindo como um gesto evocativo em uma vasta extensão de espaço. Mais curto que o dia é a maior e mais complexa escultura de Sze até o momento. A obra combina sutilmente o efêmero e o imutável, revelando vestígios do processo de fabricação: as próprias fotografias com bordas irregulares e os fragmentos numerados de fita adesiva amarela que demarcam sua localização são ambos fac-símiles duráveis ​​de metal revestido com pintura eletrostática a pó. Dessa forma, a escultura de Sze considera a natureza fluida do tempo e funciona como uma cápsula da própria criação da obra. Sze vive e trabalha na cidade de Nova York.

Para obter mais informações sobre Sarah Sze, visite [link para o site]. www.sarahsze.com.

(n. 1969, Boston, MA)
Mais curto que o diabordados escolares americanos dos séculos XVIII, XIX e XX, bandeiras regimentais da Guerra Civil e bandeiras e estandartes de campanhas políticas do século XIX. Virginia é membro da Art Conservators Alliance e Fellow do American Institute for Conservation of Historic and Artistic Works.
Alumínio e aço com revestimento em pó
48 pés de altura x 30 pés de largura x 30 pés de profundidade
Encomendado pela LaGuardia Gateway Partners em parceria com Public Art Fund

Sarah Sze agradece imensamente ao seu estúdio (Mike Barnett, Joell Baxter, Yu Rim Chung, Christin Graham, Marissa Graziano, Helen Lin), à Amuneal (Carson Bohlen, Rob D'Amico, Colin Dees, Josh Kerner, Ray Krenicki, Kevin Schultes) e à VRH Construction (Rob Carr, Nick Castronova, Kevin Curran, Dean Haussel).

Ampliando nossa missão principal de apresentar exposições dinâmicas dos artistas mais fascinantes do mundo e tornar a cultura acessível a todos, Public Art FundParcerias Criativas Oferece planejamento estratégico, curadoria, gestão de projetos e experiência em comunicação para importantes instituições culturais, empresas e organizações cívicas em todo o mundo. Por meio dessas colaborações, Public Art Fund A organização encomenda instalações permanentes e exposições temporárias em consonância com a visão singular dos nossos parceiros e os parâmetros específicos de cada local, resultando em novas obras de arte que ativam espaços públicos, criam públicos engajados e amplificam o impacto das iniciativas dos nossos parceiros através do poder da arte pública.

Public Art Fund A LaGuardia Gateway Partners, desenvolvedora e operadora do Terminal B, foi convidada a colaborar com a LaGuardia Gateway Partners para formular e implementar um programa artístico abrangente para o novo edifício. O objetivo não era simplesmente colocar obras de arte existentes em um aeroporto, mas sim encomendar a quatro dos artistas mais renomados do mundo a criação de obras ambiciosas e específicas para o local, que se tornariam parte integrante da própria estrutura do edifício. Os quatro artistas — Jeppe Hein, Sabine Hornig, Laura Owens e Sarah Sze — foram incentivados a se inspirar em suas próprias experiências na cidade de Nova York.