Ensaios para Ensaio

Katy Pyle
Tênis Ballez É uma aula avançada de balé. A aula começa com o apoio de estruturas arquitetônicas (e esculturas) disponíveis, que servem como barras, e se desloca por espaços públicos em combinações pelo chão, executadas para árvores e espectadores curiosos. Ao som de sucessos pop queer nostálgicos e constrangedores de ontem e de hoje, esta aula convida você a se concentrar no prazer, na conexão e no virtuosismo definido por você. A aula de barra é influenciada pela minha professora, Janet Panetta. Use tênis flexíveis que permitam girar e pular.
—Katy Pyle

Participantes principais
Elias Jones
Josie Bettman
Júlia Antinozzi
Michael Bryan Wang
Lavinia Eloise Bruce

Bio
Katy Pyle é uma dançarina, coreógrafa e professora lésbica não-binária. Pyle dança profissionalmente na cidade de Nova York desde 2002, tendo trabalhado com nomes como John Jasperse, Jennifer Monson, Faye Driscoll, Ivy Baldwin, Xavier Le Roy e Young Jean Lee, entre outros. Pyle fundou a Ballez em 2011 com o objetivo de impulsionar o balé clássico rumo a um futuro inclusivo, centrando-se nas experiências de pessoas queer, lésbicas, trans e não-binárias na criação de balés narrativos de grande escala, aulas abertas e debates públicos. Seus principais balés narrativos incluem: “The Firebird, a Ballez”, Danspace Project, 2013; “Sleeping Beauty & the Beast”, La Mama, 2016; e “Giselle of Loneliness”, The Joyce, 2021. Pyle já apresentou a Ballez em Princeton, Sarah Lawrence, Yale, Movement Research, CounterPULSE, Bowdoin, Whitman, Beloit, Slippery Rock University, Rutgers, Berea College e Swarthmore. Atualmente, Pyle leciona técnica para alunos de graduação no Eugene Lang College e no Marymount Manhattan, e para dançarinos profissionais na Gibney Dance. Ballez.org

Angie Pittman
Dança Soul Line É o resultado de inúmeras comunidades de pessoas negras criando, compartilhando, praticando e dançando juntas. Utilizando principalmente música R&B, Pittman ministrará uma aula aberta e guiará o público por 5 a 6 danças Soul Line diferentes que ela aprendeu ao longo do tempo. Dançamos juntos como uma forma de nos conectar uns com os outros e com o espaço que habitamos.
—Angie Pittman

Participantes principais
Malcolm-x Betts
Nilo Harris
Gabriella Carmichael
Ariel Lembeck
Lily Bo Shapiro

Bio
Angie Pittman é uma artista de dança, criadora e educadora radicada em Nova York. Seu trabalho já foi apresentado em espaços como The Kitchen, Gibney Dance, BAAD!, Movement Research na Judson Church, Triskelion Arts, STooPS, The Domestic Performance Agency, The KnockDown Center, The Invisible Dog (Catch 73), The Chocolate Factory, Danspace Project e Roulette. Pittman teve o prazer de criar em colaboração com A Sef, Jasmine Hearn, Jonathan Gonzalez, Athena Kokoronis e Anita Mullin. Ela possui mestrado em dança e coreografia pela Universidade de Illinois em Urbana-Champaign, com especialização em estudos afro-americanos, e é professora certificada da técnica Umfundalai. Seu trabalho coreográfico recebeu apoio da Foundation for Contemporary Arts Emergency Grant e de residências artísticas no Tofte Lake Center, Movement Research, New Dance Alliance Black Artists Space to Create e Djerrassi. O trabalho de Pittman se situa em um espaço que investiga como o corpo se move através da balada, do ritmo, do brilho, do espírito, dos cânticos espirituais, da ancestralidade, da vulnerabilidade e do poder. Atualmente, ela é professora assistente visitante de dança no Marymount Manhattan College.

Luciana Achugar
Prática de prazer
Este projeto participativo se baseia na prática própria de achugar, desenvolvida ao longo de anos de criação de danças como método de desaprender com a mente e aprender com o corpo; um método de autoaceitação radical, em vez de impor aos nossos corpos quaisquer noções preconcebidas de ser e/ou se comportar. Através dessa prática, investigamos maneiras de descobrir o que já está presente (mas talvez reprimido ou suprimido/oprimido) em nós mesmos, e como criar as condições para que isso se manifeste e apareça por si só. A prática de estar em prazer é uma prática de desfazer o modelo hierárquico aprendido de corporeidade que foi programado em nós e de desfazer a vergonha que o acompanha, para desenterrar um eu mais libertado, empoderado, descolonizado e incivilizado, mais conectado aos nossos instintos, aos nossos corações, às nossas entranhas e à nossa sexualidade, para celebrar a união e a conexão com a terra, conosco mesmos e com os outros.
—luciana achugar

Participantes principais
Molly Lieber
Michael Mahalchick
Sarah White-Ayón
Oren Barnoy

Bio
Luciana Achugar é uma coreógrafa uruguaia radicada no Brooklyn, que se desenvolveu como artista em estreito diálogo com as comunidades de dança contemporânea de Nova York e do Uruguai. Ela cria trabalhos em Nova York e no Uruguai desde 1999. Sua obra aborda o mundo pós-colonial, buscando desconstruir as estruturas de poder vigentes de dentro para fora. Ela recebeu o Prêmio Bessie duas vezes e foi indicada ao Prêmio Epilogue por sua obra. OUTRO TEATRO: Amor Verdadeiro (2016). Ela recebeu diversos prêmios, como a Bolsa Guggenheim, o Creative Capital Grant, o Foundation for Contemporary Arts Grant, o MAP Funds, o Jerome Foundation, o Prêmio Alpert de 2017 e as bolsas para artistas da NYFA. Seu trabalho mais recente e em andamento, “PURO TEATRO: A Spell for Utopia”, começou como um projeto online no Instagram, encomendado pelo Festival de Arte Baseada no Tempo do Instituto de Artes Contemporâneas de Portland no outono de 2020, e estreou como uma performance ao vivo no Chocolate Factory Theater, em parceria com o Skirball Center for the Performing Arts da NYU, em novembro de 2021. Atualmente, ela é bolsista do programa Doris Duke Fellowship dos EUA em 2022.

Moriah Evans
Nossos corpos nós mesmos
Trabalharemos com uma relação especulativa com o próprio corpo e com os corpos dos outros para compreender o que nossos corpos contêm. Os feminismos são a base para uma metodologia de dança iniciada nas profundezas dos órgãos internos do corpo. Trabalharemos com um sistema de percepção-ação através de cinco modalidades energéticas distintas. Articularemos o movimento a partir de sensações individualizadas, que permanecem para sempre desconhecidas e perpetuamente subjetivas, abandonando as representações frequentemente projetadas na superfície do corpo. Como podemos acessar as noções de resíduos dentro do corpo para expulsá-los? Proporcionaremos eventos catárticos em direção a estados de consciência do eu e da carne, e então investigaremos o que transcorre em seu rastro, o que permanece.
—Moriah Evans

Participantes principais
Lizzie Feidelson
Kris Lee
João dos Santos Martins
Sarah Beth Percival
Varinia Canto Vila

BIO
O trabalho de Moriah Evans posiciona a dança e a coreografia como um processo especulativo. Desenvolvendo o movimento a partir dos mundos invisíveis, porém sentidos, da materialidade do corpo e do espaço interior afetivo, os projetos de Evans questionam as hierarquias preestabelecidas entre carne, corpo, eu e sujeito. Inspirando-se tanto em críticas feministas da visualidade quanto em práticas coreográficas somáticas, o trabalho de Evans expande a relação com a dança para além do visível, em direção a diferentes maneiras de nos sentirmos e de percebermos nossas relações uns com os outros. Seus trabalhos recentes incluem: DESCANSO (Sessões na praia, NY, 2021) DESGRAÇADOS: Todos nós somos filhos ilegítimos. (NYU Skirball, Nova Iorque, 2019); configurar (A Cozinha, NY, 2018); Figurando (SculptureCenter, Nova Iorque, 2018); Seja minha musa (Pace Live, Nova Iorque, 2021; Museu Hirshhorn, Washington, DC, 2018; Villa Empain, Bruxelas, 2016); Dança Social 9–12: Encontro (Projeto Danspace, Nova Iorque, 2015); Dança Social 1–8: Índice (Sala de Projetos ISSUE, Nova Iorque, 2015); Outra apresentação (Projeto Danspace, Nova Iorque, 2013); e De dentro para fora (8/8): COISAS (Théâtre de l'Usine, Genebra, 2012). Em 2011, Evans iniciou O Gabinete para o Futuro da Coreografia—um coletivo criado para investigar performances participativas e sistemas coreográficos. Evans foi editor-chefe da Revista de Pesquisa de Desempenho do Movimento (2013–20), consultora curatorial do Tanzkongress (2019) e, desde 2016, cocuradora/facilitadora de dança e processo (The Kitchen). Ela é ganhadora do prêmio Individual Artist Award da Foundation for Contemporary Art, bolsista da MacDowell e bolsista da Guggenheim em Coreografia de 2022.

David Watson
Pratique, pratique
Uma sequência de respostas musicais improvisadas que se repetem por todo o parque. Ensaio e a área do parque circundante. Essas respostas são guiadas pelos locais e por uma exploração de suas próprias propriedades sonoras. Inspiradas pela ideia de um “ensaio” como forma cultural e sua diferença em relação à performance, com suas ideias inerentes de público e privado, essas respostas são guiadas pelas esculturas de Wieser e pelas histórias pessoais dos músicos.
—David Watson

Participantes principais
Marcia Bassett – sintetizador analógico
Daniel Carter – saxofone alto
Marcus Cummins – saxofone soprano
Ian Douglas-Moore – guitarra, eletrônica
Lathan Hardy – saxofone
Sam Kulik – tuba
Talice Lee – violino
Samara Lubelski – violin
Ryan Sawyer – bateria
Kevin Shea – bateria
David Watson – gaita de foles

Bio
David Watson é um músico experimental, figura essencial na cena nova-iorquina desde os anos 1980. Sua especialidade é a música contemporânea para gaita de foles. Ele tem se dedicado consistentemente à criação de música experimental como obra pública (inclusive para bandas de metais e bandas de gaitas de foles) para explorar espaços através do som. The New York Times descrito “"Enjaulados" Uma obra que ele criou com o coreógrafo Jamar Roberts, considerada "uma das respostas artísticas mais impactantes até o momento à crise da Covid-19". Ele organiza e faz curadoria de música experimental há mais de 40 anos.     https://davidwatsonmusic.net